martes, 16 de abril de 2024

XXIV CONCURSO EXPOSICIÓN DE ARTE MANOLO VALDÉS 2024


El 14 de julio del presente año cierra la convocatoria del XXIV Concurso Exposición de Arte Manolo Valdés en la que pueden participar, con una sola obra en la modalidad de pintura o escultura, artistas de cualquier nacionalidad o lugar de residencia; este certamen cuenta con apoyo del Ayuntamiento de Altura, ubicado en la Provincia de Castellón, Comunidad Valenciana de España. 

Las propuestas en la categoría de pintura deben tener un mínimo de 100x81 centímetros y un máximo de 200 cms. en cualquiera de sus dimensiones, montadas en bastidor o soporte sólido, sin cristal u otros elementos frágiles y su peso no debe sobrepasar los 40 Kg, tanto las obras bidimensionales como las esculturas. 

Premios 

Premio Internacional Manolo Valdés de Escultura: 2.000 Euros y diploma acreditativo. 
Premio Internacional Manolo Valdés de Pintura: 2.000 Euros y diploma acreditativo. 
Premio Artista Joven Manolo Valdés Comunidad Valenciana: 500 Euros y diploma acreditativo (para artistas jóvenes nacidos o residentes en la C.V. con edades comprendidas entre 16 y 25 años). 
Premio comarcal Manolo Valdés de Artes Plásticas: 1.000 Euros y diploma (para artistas nacidos o residentes en el Alto Palancia o el Alto Mijares). 

El fallo del jurado se conocerá 20 días después de la fecha de cierre de la presente convocatoria y las obras premiadas pasarán a ser parte del Fondo de Arte dirigido a la creación del Museo Municipal Manolo Valdés del Ayuntamiento de Altura; así mismo, serán parte de la exposición que estará abierta al público del 13 al 29 de septiembre de 2023 del presente año y estarán dentro del catálogo del evento. Si está interesado realice su inscripción vía on line (Aquí). 

Consulte las bases (Aquí) 

Mayores informes: Ayuntamiento de Altura. Dirección: C/ San Vicente no 2 ALTURA 12410 Castellón, España. Tel.: 964 14 63 84. Correo electrónico: cultura@altura.es. Web: altura.es

viernes, 12 de abril de 2024

EN SEVILLA, CONCURSO INTERNACIONAL DE ESCULTURA URBANA CERÁMICA, “ARIANE”


El próximo 6 de mayo del presente año es la fecha límite para presentación de propuestas al Concurso Internacional de Escultura Urbana Cerámica, “Ariane”, en la que pueden participar creadores de cualquier nacionalidad o lugar de residencia. 

Este certamen tiene un premio de 16.000 € (Dieciséis Mil Euros), cuenta con el patrocinio de AEDAS Homes y el apoyo del Ayuntamiento de Sevilla, España; además, del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), El Centro de Cerámica de Triana, el Estudio de Arquitectura Hombre de Piedra y la Universidad de Sevilla. 

El concurso se pretende combinar elementos contemporáneos como la temática aeroespacial con la tradición cerámica andaluza. Se trata de fomentar el uso de técnicas cerámicas de revestimiento de monumentos escultóricos para conmemorar un evento tan importante como ser capital del espacio europeo. Se busca dejar una huella en el territorio urbano que mezcle arte contemporáneo de la escultura, revestimiento cerámico tradicional y un tema tan novedoso como el espacio. 

Por tal razón, se invita a los/las participantes a presentar obras originales, innovadoras que reflejen un lenguaje artístico personal y que capten la esencia del concurso mezclando tradición e innovación. Se pretende que el resultado sea un monumento escultural revestido de materiales cerámicos y cuya temática nos remita al espacio. La pieza se instalará en la esquina de las calles Francisco Montesinos y Descubrimiento, donde quedará instalado en los próximos años el nuevo centro de la Comisión Europea que albergará la sede permanente del Centro Común de Investigación. 

Las propuestas podrán no tendrá delimitada el tipo de representación artística; por lo que se admiten todo tipo de estilos (realismo, abstracción, figuración, etc.) y se diseñará teniendo en cuenta su ubicación en una zona urbana (esquina de las calles Francisco Montesinos y Descubrimiento). En este sentido, cada pieza debe tener una dimensión mínima de un metro y medio (1,5 metros y medio) y máxima de dos metros y medio (2, 5 metros) en cualquiera de sus tres dimensiones. 

El/la artista presentará un proyecto de diseño y el premio se otorgará a la mejor propuesta, que debe estar finalizada y entregada el día 10 de septiembre de 2024. Los interesados en participar deben presentar una memoria descriptiva (documento en .pdf de máximo 6MB) en el que se describa formalmente la obra y sus materiales, así como su significado y su vinculación conceptual con la temática requerida. También, se requiere la memoria técnica (Un Archivo .pdf de máximo 3 MB) que incluya todos los requerimientos y necesidades técnicas y de medios para la ejecución de la obra y su posterior instalación en la vía pública; el envió de las propuestas escultóricas debe ser on line(Aquí)

Consulte las bases completas (Aquí). 

Mayores informes: AEDAS Homes (No. De Identificación Fiscal o NIT CIF A-87586483): Dirección: Paseo de la Castellana, 130. Planta 5. 28046 Madrid. Tel.: +34 900 26 40 96. Correo electrónico: DPO@aedashomes.com. Web: aedashomes.

martes, 9 de abril de 2024

HANNAH VILLIGER SOBRE EL AQUÍ Y EL AHORA


Con una mirada que se detiene a observar las tensiones de su cuerpo reflejado, sin intervenirlo ni agredirlo, pero tampoco sin poetizarlo, simplemente en una actitud contemplativa de quien intenta indagarse así misma por el aquí y el ahora, la artista helvética Hannah Villiger nos cuestiona sobre qué tan consientes somos sobre nosotros mismos. 

Estas y otras imágenes, así como documentos, son parte de la retrospectiva que le rinde homenaje a una práctica artística que oscila entre la escultura y la fotografía, desde principios de los años setenta hasta mediados de los noventa del siglo pasado; evento que abrió el Centro Pompidou - Museo Nacional de Arte Moderno, con la colaboración de la Fundación Estate Hannah Villiger y bajo la curaduría de Julie Jones, estará abierta en París hasta el próximo 22 de julio del presente año. 

La artista, Licenciada en Escultura por la Escuela de Artes Aplicadas de Lucerna (Suiza) en 1974, rápidamente irrumpió en la escena internacional con sus trabajos inspirados en la tendencia del arte povera y el conceptual, donde presentó objetos sencillos e incorporó diferentes materiales orgánicos.



Por otro lado, con una cámara de réflex de 35 mm produjo distintas series de fotografías en blanco y negro, cuyo protagonistas son elementos naturales en movimiento, como plumas, pájaros y agua, entre otros; mientras que su serie del cuerpo fragmentado, trabajo que denominó “Skulptural”, lo realizó con una cámara Polaroid; instantáneas que son presentadas en gran formato. 

Cabe señalar que la obra de Hannah Villiger revela ciertas influencias de las artistas contemporáneas como Valie Export, Cindy Sherman, Martha Wilson o incluso ORLAN; sin embargo, ella deja a un lado las reivindicaciones feministas o identitarias, muy populares en esos momentos y que están muy presentes a todas las artistas. 

Por esos días, llamaba la atención la grandilocuencia de las publicitadas y destacadas creaciones de las artistas del momento, quienes se batían entre la abyección y la puesta en escena de la muerte del cuerpo como objeto; fue una prolija época donde las creadoras también apelaron a lo extremo como lo hicieron las neovanguardias de la segunda mitad del siglo XX; a la publicidad, las intervenciones sobre su propio cuerpo al estilo de la francesa Mireille Suzanne Francette Porte, más conocida como Orlan, o la argentina Nicola Constantino, con el propósito de presentar las complejidades conceptuales de una posmodernidad que hacía tránsito y era devorada por las tesis que imponía la democracia liberal burguesa a través de sus medios corporativos de información y la reafirmación de valores de la tan anhelada libertad pregonadas por el neoliberalismo, mientras se acomodaba plácidamente en el relativismo moral en su defensa, pero que se constituyó mérito indiscutible del fracaso de la “civilización” de un supuesto mundo basado en reglas promovidas por los países desarrollados del G7 y la ONU

Hecho que quedó abiertamente demostrado frente a sus pretensiones neocoloniales, el suprematismo de la excepcionalidad anglosajona y el eurocentrismo; además, de la innegable participación de estos Estados en el genocidio del pueblo palestino en Gaza.

Sin embargo, Villiger desde la simplicidad desarrolló una obra que reflexionaba sobre lo básico; ese es su incontrovertible valor, él de una artista que se atrevió a exponerse en una época en que se teatralizaba el arte, en medio de un mundo cada vez más circense.

A partir de 1986, Villiger desarrollo su actividad artística en Paris, desde donde participó en numerosas exposiciones internacionales en los años 1990, en el que se destaca la Bienal de São Paulo de 1994; así mismo, sobre su trayectoria su 2001, Kunsthalle Basel montó una retrospectiva. Por otro lado, a principios de 1980, Villiger utilizó la fotografía para producir imágenes a partir de sus esculturas y así recontextualizó a Raising of Dust (1920), de Man Ray y Marcel Duchamp. 

Finalmente, en sus fotografías sobre el cuerpo fragmentado, ella sostiene un espejo mientras realiza sus autorretratos y lo envuelve con un tejido, con esta acción reemplaza la piel y la duplica, y al revestirla adquieren cierta dimensión escultórica.


Fotografía: 

1. Hannah Villiger, Skulptural [Sculptural], 1988/89 
Epreuve C-print (à partir d’un Polaroid), monté sur aluminium, 
125 x 123 cm. 
©Foundation The Estate Of Hannah Villiger. 

2. Hannah Villiger, Skuptural [Sculptural], 1998-1989 
Épreuve chromogène (à partir d’un Polaroid) montée sur aluminium, 
125 x 123 cm Centre Pompidou
Musée National d’art Moderne Achat, 2012 
©Foundation The Estate of Hannah Villiger © Centre Pompidou,Mnam-Cci/Georges Méguerditchian/Dist. Rmn-Gp

3. Hannah Villiger, Skulptural, [Sculptural] 1988-1989
Épreuve chromogène (à partir d’un Polaroid) montée sur aluminium 
125 x 123 cm 
Centre Pompidou, Musée national d’art moderne Achat, 2012 
©Foundation The Estate of Hannah Villiger ©Centre Pompidou,Mnam-Cci/Georges Méguerditchian/Dist. Rmn-Gp

4. Hannah Villiger, Skulptural [Sculptural], 1995/96 
Epreuve C-print (à partir d’un Polaroid), montée sur aluminium, 
125 x 121 cm 
©Foundation The Estate of Hannah Villiger

5. Hannah Villiger, Skulptural [Sculptural], 1995/96 
Epreuve C-print (à partir d’un Polaroid), montée sur aluminium, 
125 x 121 cm 
©Foundation The Estate of Hannah Villiger

viernes, 5 de abril de 2024

PUNTO DE VISTA O SOBRE LAS IMÁGENES QUE SE NIEGAN A OBSERVAR LA REALIDAD



Por. Víctor Hugo 

Según los viejos sabios de la región colombiana del Chocó, Adán y Eva eran negros y negros eran sus hijos Caín y Abel. Cuando Caín mató a su hermano de un garrotazo, tronaron las iras de Dios. Ante las furias del señor, el asesino palideció de culpa y miedo, y tanto palideció que blanco quedó hasta el fin de sus días. Los blancos somos, todos, hijos de Caín. 
Eduardo Galeano 

La primera Sala de Lectura que tuvo Barrancabermeja fue la “Ana Joaquina Bermúdez de Castellanos”, nombre que nació de los Liberales que le hacían FILA a quien enseñó como mantener la clientela y el poder, Horacio Serpa Uribe, y era el homenaje para perpetuar la ideología de derecha de la primera mujer presidenta del Concejo Municipal; este sobrio espacio reemplazó a la olorosa biblioteca de la Escuela Santander.

Quienes tuvimos la oportunidad de entrar a ella recordaran con aprecio la amable señora que atendía y nos alcanzaba viejos y pesados volúmenes de pasta dura; ella tenía que hacer su esfuerzo para bajar de las brillantes estanterías de madera, esa pila de hojas animosas que nos hacían cola sin vacilar y nos acercaban a las primeras navegaciones por historias como las de Dimensión Desconocida, muy diferentes a las que vivíamos diariamente, en una ciudad donde aún se podía caminar y la gente se conocía. 

A pesar de ello, hay que señalar que nuestro mundo no era tan pequeño, porque en la segunda oleada migratoria arribó él Caribe y sus historias de la mano de los obreros petroleros, así como los que bajaron de la montañas de Santander y algunos de los que decidieron no dejarse seducir por un empleo en la “Empresa”, como le llamaban a Ecopetrol; pero también, estaban los gringos, los chinos, los sirio-libaneses e italianos, y todos ellos nos habían asomado a la ventana desde donde exploramos el mundo sin salir de casa, con sus historias, extraños idiomas y su gastronomía, como el restaurante italiano lleno de acuarios, donde el mismo José Giuseppe Massa atendía. 

Esta sala era un pequeño, pero cómodo salón, para quienes buscaban donde leer y abstraerse de la intemperancia de lo cotidiano y donde habitaba una escasa bibliografía, pero no por ello insignificante porque encontrábamos no solo los clásicos de Itslo Calvino sino otras visiones como las de Arthur Coleman Danto y quien repetía la pregunta de todos, en una actitud cáusticamente crítica que hacía reverberar nuestra imaginación: ¿Qué es la filosofía? y Después del fin del Arte. 

Ahí, también leímos los primeros libros sobre el arte del renacimiento italiano y observábamos detenidamente las imágenes de las obras de los maestros europeos, así como las coloridas fotografías de lo que se suponía era la promesa de una civilización que nunca se cumplió. 

De ello no quedó absolutamente nada. Un buen día, la peligrosa clase política del puerto petrolero decidió cerrarla y parte de los libros, al parecer, se perdieron, en el 2014. Este espacio estuvo clausurado por mucho tiempo, olvidado por la inquisición reunida en el Concejo Municipal y los pasillos de la alcaldía, que decidió maldecir la sala y perseguir a la imaginación, tal como en la actualidad lo hacen, porque muy posiblemente era ese lugar donde la creatividad conspiraba contra el poder. 

Después paso hacer un punto del fracasado programa Vive Digital, ese que con la complicidad de Iván Duque, Cambio Radical y el Clan Char, Karen Abudinen presuntamente robó 70 mil millones de pesos del internet rural a los niños colombianos, pero la Procuradora Margarita Cabello nunca investigó como no lo hace con los 12 billones perdidos por las EPS. 

Hoy, se supone que es un Centro de Desarrollo Juvenil, quizás también satanizado, porque solo hay unas cuantas sillas y una escasa mesa porque nada más peligroso que la juventud, asnillos lo demostró durante el estallido social; pero en la pared encontré un ejemplo más de lo que no es un mural, afortunadamente tapado por una pieza publicitaria del CMJ. 

Por eso, decidimos aprovechar para realizar una crítica a la estrategia de normalización institucional del arte que se propone desde los espacios del poder y cuestionarlos a partir de la sospecha de la no mirada (1) que no dice nada y tu mirada me acaricia los dedos (2) con esos ojos pétreos que se niegan ver la realidad. Esa es nuestra respuesta, con la decidida participación colaborativa de la comunidad afrodescendiente de la ciudad.

Fotografías: ©ArtistasZona, abril de 2024.

lunes, 1 de abril de 2024

EXPOSICIÓN: COSIMA VON BONIN Y LA ALEGRÍA DEL FRACASO



Por. Víctor Hugo

Sí, retrotrae la memoria con imágenes de la cultura popular y lo instalan en la sospecha que origina la ambigüedad al descontextualizarla, probablemente desafía su presente, porque inmediatamente aparece la incertidumbre ante la posibilidad de la duda por lo que realmente sucedió, así aparece el humor en las 70 obras exhibidas en la Schirn Kunsthalle Frankfurt, de la artista nacida en Kenia pero de nacionalidad alemana, Cosima Von Bonin. 

La exposición “Somos muchos”, curada por Katharina Dohm, estará abierta hasta el próximo 9 de junio en la ciudad alemana de Frankfurt y en ella su creadora no solo expande el humor para permitirnos reflexionar sobre lo preconcebido y normalizado; pero también sobre las reglas sociales que nos impuso el neoliberalismo y su ética laboral y se burla de ello con esa actitud disoluta en la gestualidad de sus piezas muy cercanas al concepto de alienación como lo propone el libro “Para leer al Pato Donald” (1972) de Ariel Dorfman y Armand Mattelart; además con sus estrategias artísticas que van desde la apropiación, la colaboración y la delegación, donde se ién es pregunta: ¿Quién es el autor? 

Por otra parte, Von Bonin nos propone un alto para cuestionar una sociedad en estado de cansancio vegetativo y agotamiento permanente, esclavizada por los horarios y la multiplicidad de trabajos necesarios que solo nos alcanzan para pagar el alquiler y los servicios públicos puntualmente so pena de enfrentar la autoridad y la ley. Esos andamios construidos para sostener el poder y destruir paulatinamente, no solo la privacidad sino la desaparecida clase media profesional, las mismas que se niega a caer definitivamente y prefiere mantener su arribismo social, poniendo de relieve su visión art nouveau de su precaria vida cotidiana. 

La alegría del fracaso 


Quién de nosotros en la cultura occidental no recuerda la enfermiza obstinación del Pato Lucas que refleja la contumacia patológica de una sociedad narcisista y onanista determinada exacerbar al triunfo de los ganadores y a deleitarse con sus sabores, así sean de los otros, desde sus cómodos sillones frente al televisor donde transcurre su noción de actualidad, del aquí y el ahora. Así indefectiblemente el capitalismo nos repiten como un mantra religiosamente intencionado y para que nunca se nos olvide su promesa de que “algún día nos tocará”, ese del “Pronto llegará / El día de mi suerte / Sé que antes de mi muerte / Seguro que mi suerte cambiará”, como dice la canción creada en colaboración entre Héctor Lavoe y Willie Colón, en 1973. 

Sin embargo, a contrapelo de ese anhelante soporífero estado del éxito conquistado y del héroe engalanado con el olivo que hacemos nuestro, está el recurrente fracaso que nos hace reír de un Pato que maximiza hasta la normalidad la mentira, la violencia, y la traición. Es ahí, en estas maniobras de las acostumbradas jugaditas [de uribista consumado] donde aparece la escalera que nos conducirá definitivamente al cielo para alcanzar la victoriosa corona sin dolor alguno ni desprendimiento; así todo es color de rosa, como parece nos impuso a la sociedad la democracia liberal y en la que Freud nuevamente parece tener la razón. 

Este personaje Lucas, que significa “el hombre que es iluminado” representado por un comic oscuro como su envoltura, donde anida su profundo y amargo egoísmo, se juega la vida sin ninguna consideración ética frente a su adversario y utiliza a los demás y a quien no todo le resulta exitoso. 

No obstante, nunca deja de ser una amenaza bélica en búsqueda de su cuarto de hora, de su viralidad, de su reconocimiento, ese que en la actualidad se nos revele como valor social supremo y con ello Cosima pone en cuestión la esencia del capitalismo y uso del marketing para materializar la única realidad concreta: somos simples esclavos, es decir, alcanzamos la ciudadanía cuando expresamos la necesidad de pertenecerle y nos convertimos en sus consumidores, como lo presenta Néstor García Canclini en su libro “Consumidores y ciudadanos: conflictos multiculturales de la globalización” (1995). 

Tal vez, por eso, en la serie “Open Your Shirt Please” (2019), está en extrema tensión, el Pato Lucas lucha contra el inefable negro que lo amenaza con expulsarlo siempre. Al contrario, en las recientes obras textiles como Kalt Modern Teuer, Emporkömmling y Social Climber (2023), el antihéroe manifiesta un nuevo sentido de confianza en sí mismo. Mientras, que en la escultura Church of Daffy (2023), finalmente triunfa y se nos presenta como un profeta con las manos en alto, casi que abriendo su devota alma a lo divino; sin embargo, su embriaguez de gloria lo tiene al borde del abismo y corre peligro de caer. En contraposición a esta escena, en Blame Shifting (2020), un grupo de Bugs Bunny están atrapados en el bote de la basura, este comentario a manera de coda parece ser una inevitable moraleja de la angustiante contemporaneidad que produce el sistema capitalista. 


La Exposición
 



En la primera sala encontramos una instalación de lo que parece un juguete tierno de pollito gigante sobre un misil; además, de esos muñecos fetiches de peluche con esposas que inalterablemente nos habla de nosotros mismos, no solo al exponer nuestra imaginación, sino al materializarla en el otro. Así mismo, aparece un grupo de cerdos rosados yacen tumbados y cansados a la espera de una suerte de la que aún no son consientes (Open Your Shirt Please de 2019)

Por otro lado, encontramos una serie de textiles sobre bastidores, que von Bonin llama “Lappen” (trapos) y que parecen una especie de vallas publicitarias al estilo de los monocromos de Blinky Palermo de finales de los años 1960 o a las pinturas de Sigmar Polke sobre telas baratas. También, la artista usa fragmentos de texto para sus piezas elaboradas a partir de retazos (patchwork), como un juego de palabras contradictorias donde aflora el humor inteligente. 

En este punto parece contradictorio referirse al humor inteligente, aunque es necesario cuando el único significado de lo que se supone chistoso es lo abyecto y la hipérbole como estridente burlar carnavalesca del otro y no al humor que nos hace pensar, como resolutivamente lo sentencia Les Luthiers: “El que piensa pierde”, así leen esta premodernidad de la que algunos se niegan a escapar y que se convirtió, es estrategia de la que la derecha Latinoamérica muy extendida por los medios corporativos de información para mantener el poder y de que nos hemos salido como sociedad. 

Fotografía: ©Schirn Kunsthalle Frankfurt 2024, Photo: Norbert Miguletz y Dan Bradica

martes, 26 de marzo de 2024

¿STREET ART EN BARRANCABERMEJA?



Por. Víctor Hugo

Lo que expresa una pared desde el arte no deberían ser únicamente impresiones sensibles aisladas de su contexto, cercanos a la publicidad y el cómic; ni esa recurrente propaganda religiosa evanescente que nos presenta el fanatismo segregacionista del cristiano; tampoco la levedad de una firma que marca el espacio público en busca reconocimiento frente al estigma social o institucional ni el acto inconsútil para decorar una calle; pero así son los gestos plásticos presentes en la recién inaugurada galería de street art (arte urbano), ubicada en la entrada de la Comuna 7 de Barrancabermeja, frente al parque de La Memoria. 

A pesar de ello, el hecho más relevante, la substancia, de este espacio cultural, es precisamente lo que subyace como el fantasma y recorre las calles de la ciudad: sus procesos de construcción social. Esta acción de enunciación revela no solo la apropiación de lo público y como desde lo comunitario se resignifican sino el indiscutible liderazgo de un grupo de jóvenes que intentan desde su perspectiva subvertir la deriva y permitirse a sí mismo repensar su cotidianidad y darles salidas a su propia realidad, lo que por sí mismo se constituye en un poderoso contenido cultural, que desafortunadamente no se hace presente en la pared. 


El street art 

La primera pregunta que nos surge es responder a la categórica pregunta: ¿qué es el street art? Esta nos lleva a su propia respuesta. En este sentido, podríamos estacionarnos en el concepto que lo explora como una forma de expresión alterativa, con técnicas y recursos propios que interviene los espacios públicos para no solo sorprender al transeúnte, sino mantener con él un diálogo cómplice y reiterativo.

El arte urbano tiene dos características intrínsecas de su puesta en escena: en primer lugar y, y se mantienen desde sus inicios, el acto creativo como una producción de lo ilegal y efímero, con lo que se propone subvertir la supuesta asepsia de una normalidad controlada por la autoridad, y, la segunda, propiciado desde la institucionalidad, su legalización, como resolución que responde a la toma de la pared que interpela al poder y activa, de cierta forma, el valor de la crítica política y social al exponer sus discursos desde la capacidad de la representación; esos discursos que mantienen el coma cerebral de la sociedad sumergida en la extensa propaganda que le da su soporte, posibilitando la gobernanza y que se difunde a través de los medios privados de información. 

Por otro lado, y para ponernos en contexto, algunos historiadores del arte señalan que este aparece en los albores mismos de la civilización e indican cómo desde la antigüedad ya hay vestigios de sus antecedentes, como en la ciudad de Pompeya en año 79 a.c. 

En el siglo XX se mencionan a artistas como Jean-Michel Basquiat, entre otros, quienes usaban los espacios públicos para exponerse. Pero es a finales de la década de los años 90, que se acuñó el concepto de post-grafiti para agrupar diferentes expresiones que aparecieron en las ciudades europeas y en el imperio del norte. Aunque, fue posterior a la irrupción del movimiento contracultural que gestaron los jóvenes en París en la primavera de 1968, bajo la consigna: “La Imaginación al poder” o del “Seamos realistas pidamos lo imposible”

Este mismo que también se hizo presente en Norteamérica cuando los jóvenes comenzaron a organizar sus protestas contra la guerra del Vietnam y se configuraron las primeras comunas hippies y los movimientos sociales contra la segregación racial, como The Panther Black

En este sentido, hay quienes proponen que la génesis del arte urbano se dio como evolución del movimiento Bombing de Filadelfia, con el que los artistas bombardearon las blancas y ofensivas paredes que mostraban una aparente normalidad y limpieza, no solo formal sino en la conciencia de la sociedad y que luego fue apropiado por los jóvenes del Bronx en New York, quienes firmaban los vagones del metro para marcar territorio contra la exclusión social, de la que aún siguen siendo víctimas, y donde finalmente aparecieron las imágenes. 

El strret art barranqueño




Como ya lo apuntábamos, al parecer en la ciudad hay un entusiasta grupo de creadores en pleno proceso que se expresan en las paredes de la ciudad y quienes tienen una misma técnica, una muy uniforme paleta de colores y apelan el efectismo de temas e iconos recurrentes; no obstante, muestran cierta destreza formal aunque con algunas dificultades en el dibujo. 

Por otro lado, la galería de arte urbano inaugurada el pasado domingo 24 de marzo, ubicada en las inmediaciones del parque de La Memoria, lo que representa un hecho nada menor, porque fue precisamente en este sector donde se presentó la masacre del 16 de mayo de 1998, uno de los sucesos que marcó la ciudad y dejó 32 personas asesinadas por el narcoparamilitarismo. 

Sin embargo, intencionalmente o no, estos artistas le dieron la espalda a la historia reciente de la ciudad y el desgarrador suceso nada les dijo; esta declaración se materializa en lo que expresaron los creadores y para algunos se constituye en gesto desideologización del espacio mismo, de desmemoria, como lo diría Eduardo Galeano; al mismo tiempo, este desafortunado olvido podría estar al mismo nivel de la estrategia empleada por la derecha colombiana, que es secundada por los medios de información, quienes reiteradamente se han opuesto a los resultados de la Comisión de la Verdad y de la Justicia Especial para la Paz, JEP. 

De otro lado, vemos los íconos repetitivos de siempre: iguanas, jaguares, mariposas, garzas, junto a declaraciones de carácter religioso, algo de cómic y una muy lejana representación de lo indígena, que además esta muy de moda, en todo el arte. Todo esto denota hasta donde ha llegado la investigación que hacen los artistas de Barrancabermeja, quienes se quedaron en esa noción romántica del arte como inspiración o de la pintura automática del dadaísmo; mientras que hoy todo hechos artístico están soportado en la investigación, porque lo que nace de llana espontaneidad no es arte. 

También, vemos algunas firmas sobre el espacio; este gesto se usó a finales de los años 80 y 90´s en New York y se impuso en todo occidente, quizás por el momento histórico dominado por la globalización (estrategia de homogeneización y cristalización de la conciencia social), que en cierta medida dio sus frutos porque la relaciones sociales que hoy planteamos son un reflejo de ello; todo esto impuesto desde los Estados Unidos por los Bush y Reagan, y de la espeluznante líder conservadora Margaret Tacher; pero hoy esas letras góticas ya no funciona ni nos dicen nada. 

En este punto también hay que advertir que tampoco se trata de usar la pared para hacer consignas, sino de preguntarnos cómo vamos a intervenir y de qué nuevos sentidos vamos a dotar el espacio público: porque si la idea de la Administración Municipal es promover verdaderas propuestas de street art que se conviertan en referente e impulsen el turismo cultural como lo propone el Gobierno Nacional, estamos muy lejos de ello; tal como lo ha hecho Bogotá y el mismo Londres, donde se ofrece un recorrido por toda la capital inglesa para observar la fundamental obra de Bansky. 

La gestión 

(De izq. a Der). Secretario Distrital de Cultura Alexis Guerrero Sánchez: Alcalde Distrital, Jonathan Stivel Vásquez Gómez y el artistas Juan Carlos Ardila Beleño.  

En este punto es importante problematizar en ¿Cuál es el concepto de cultura que define al quehacer de los artistas de Barrancabermeja? ¿Cómo se realizan los procesos de gestión y cuáles son sus alcances? ¿Cómo se adelantan las convocatorias y bajo qué determinantes? ¿Dónde interviene la curaduría?

Preguntas que esperan sus respuesta y a las que necesariamente deben ser planteadas en las discusión permanente sobre lo que está haciendo el movimiento artístico, los alcances de los procesos y el quehacer de los trabajadores de la cultura de la ciudad; eso sí muy aparte de los cuestionados mecanismos de tercerización de la contratación pública y con la que parte de los recursos destinados terminan en manos de quienes ni siquiera son de la ciudad, como lo hace el Centro Cultural del Oriente, y con la que se pagan presuntamente favores políticos, se cumple con la clientela y que deja entrever el poder del fantasmagórico del operador. 

Ahora bien, en momentos en que se define la ruta para los próximos cuatro años del Distrito de Barrancabermeja, también sería importante conocer o definir si los creadores han intervenido en del Plan de Desarrollo, tal como lo contempla la Ley 152 del 15 de julio de 1994 y su posteriores avances, porque no solo se trata de convocar a los creadores y gestores para escucharlos, sino cuánto de sus proyectos se materializaran y cuál va hacer la definición de su quehacer. Sería interesante. Así cómo cuál va hacer la política de artes plásticas y visuales de Barrancabermeja. 

Las fotografías 

Ante lo que defino como gestos plásticos, mi mirada sobre ellos y ante estas realidades a las que me refiero, me propuse abordar la construcción de imágenes con cierto humor(las primeras tres) y como una indagación de lo lúdico, con el fin de posibilitar otras lecturas y observar el uso social que hacen los transeúntes de las propuesta plásticas, porque no se trata se salir a pasear sino de indagar sobre nuestra realidad. 

En este orden de ideas, la intención no es presentar conceptos concluyentes, sino de abrir la posibilidad de la discusión, si se quiere con quienes así se lo permitan, no de la incapacidad reduccionista de definir sus inamovibles categóricos de lo irrefutable, sino desde la concepción del arte. 

Esa misma concepción que se propone multiplicar el sentido de los objetos que cotidianamente nos rodean y donde interviene la mirada del artista para dotarlos de nuevos valores significantes al atreverse a exponerlos por fuera de su contexto habitual; así como las prácticas y los hechos producidos por las comunidades 

Desde esta perspectiva se trata de abordar la creación de objetos por fuera de su singular rutina, de permitir percibirlos desprovisto de ella y así crear nuevas piezas con esa polifonía de voces, tal como nos los propone Jacques Lacan quien indicó que un objeto es elevado a la categoría de arte no por lo que yo observo sino por el dialogo que establece con mi[s] sentido[s].

Fotografias: ©ArtistasZona, marzo de 2024.

domingo, 24 de marzo de 2024

MÁS HAYA DE LA PIEL DE AZAFRÁN


Por. Víctor Hugo

“Hermoso lirio que alegra mi vida”
Gladys Saldaña

Estas sinuosas líneas de azafrán nos conducen decididamente a ese inalterable destello de sentido[s] donde respiran nuestras historias y el erotismo, no el tántrico ni el de la puesta en escena del cuerpo que deja asomar su provocadora desnudez, sino el de la pasión por la vida, la que no se empantana como un Romeo arrodillado en el jardín de sus delirios o Jay Gatsby alucinado por una Daisy llena de lirios(“El Gran Gatsby”) y donde esta flor adquiere un preponderante protagonismo simbólico. 

Tampoco en esa tormentosa relación entre el “noble caballero” Félix de Vandenesse y Madame Henriette de Mortsauf, una burguesa casada, los que parecen estar inamovibles en la novela de Balzac(“El Lirio en el Valle”) donde nos detalla la siempre almidonada aristocracia y la húmeda espesura de sus frustraciones en 1836, después del fracaso la Revolución Francesa y cuando sucumbía el reinado de Napoleón Bonaparte, al tiempo que regresaba al poder su vergonzante monarquía. 

Quizás sea esa misma maleza la exhibe en el discurso “bocaraz” de Enmanuel Macrom, que deja al desnudo la tarea que cumple como globalista, al buscar no solo destruir a Europa invitándola a la guerra, sino entregársela, con un gesto de supremacista genuflexo, a los designios geopolíticos de los Estados Unidos y dejarla en manos de las multinacionales de la industria bélica norteamericana. 

Sin embargo, frente a esa amenaza que intenta empañar la bella luz, William Blake(“El Lirio”), no propone detenernos en su “deleite”, antes que desaparezca definitivamente la piel de azafrán y mejor invitación no podría ser la que nos hace desde el siglo X, la japonesa Sei Shonagon, desde su nada contemplativo “Libro sobre la almohada”; aunque, podríamos dejarnos seducir por la sugerencia de la escritora estadounidense Edith Wharton, y adentrarnos en su nada consonante novela en “La casa de la alegría”

Finalmente, esas sinuosas líneas de azafrán no nos conducen a donde pernocta el opulento éter que perturba el universo y habita entre las calles o los hoteluchos a la que hace referencia “La canción de amor de J. Alfred Prufrock” del poeta inglés T.S. Eliot y donde sus preguntas nos atenazan: «¿De qué me hablas?» «¿Me atreveré yo acaso?» «¿Será el perfume de un vestido lo que me hace divagar así?», nada baladí su interpelación, porque con las imágenes este caprichoso lirio que florece una vez al año nos dice: «Soy Lázaro que regresa de la muerte/para os revelarlo todo, y así lo voy a hacer»; quizás sea la pretensión de las fotografías, aunque a decir verdad y para no sonar presumido y como lo dice la misma poesía: «No. No fue esto lo que quise decir./No lo fue. De ninguna manera», «No. No soy el príncipe Hamlet. Ni he debido serlo».


Piel de Azafrán 

Lleno de venganzas inoficiosas 
de recuerdos cancerosos 
fétidos de llagas incunables; 
de palabras ansiosas 
hervidas con sangre de la historia; 
de sabores amargos 
atrapados en los pliegues de tus adentros; 
de olores ébano 
que recorren tu piel de azaffrán; 
de dolores enconados 
expuestos al sol como Prometeo. 

Lleno de tus destierros 
intento deshabitar mis pensamientos 
en esta madrugada 
cuando apareces efimera 
y embriagado de tu delirio 
estoy sobre la almohada 

Fotografía: ©ArtistasZona, marzo de 2024.

jueves, 21 de marzo de 2024

FOTOGRAFÍA, EN CAÍDA LIBRE O LAS PROVOCACIONES DEL MOVIMIENTO UNIFORMEMENTE ACELERADO

Por. Víctor Hugo 

Enfrentar esta entrópica realidad que nos amenaza y expresarse desde el arte es dar un salto al vacío en medio de la escenificación distópica de los medios de información, que hacen implosión en una sociedad esquizoide y enferma, así como lo reveló The Economist este martes 19 de marzo, en uno de sus artículos donde señaló que el 20% de los niños norteamericanos sufren de depresión. 

Al mismo tiempo, en los países del primer mundo o desarrollados, la tasa de natalidad se detiene por debajo del 2,1 y con ello la población mundial empieza a reducirse; este dato podría ser la evidencia fáctica de una juventud con tendencia a lo efímero y donde nadie quiere hablar de ese viejo y sempiterno anhelo del concepto de familia, en tanto crece la noción de competencia, el narciso hedonismo y esa incertidumbre que homogeniza hasta el sentido del placer y todo lo convierte en sexo. 

Nada distinto a lo que sucede en los países del sur global, como el nuestro, donde a la industria del entretenimiento le interesa imponer las precarias estéticas del reguetón y el vallenato, que dan cuenta de esa abyecta noción de alegría, amor y tragedia de la vida cotidiana de quienes repiten masivamente a través del lenguaje de sus cuerpos hasta dónde llegarán sus vidas. 

Esos mismos son los que se exponen en los reels de las redes y buscan afanosamente hacerse virales, donde se hace tendencia la desnudes como artículo de venta; por eso, será que crece exponencialmente el número de niñas y adolescentes embarazadas en nuestros países, fenómeno social que da cuenta de una angustiosa ansiedad que se reproduce como legado patrimonial de familias fracturadas y de la sin salida que hereda cada generación en los sectores populares. 

Al parecer nada es alentador por estos días, donde se diluyen los rastros del ideario de esa promesa de una civilización como bien superior y garantía de que la vida vale la pena. Así lo cuestionó el soldado de la aviación Norteamérica Aaron Bushnell (QDEP), quien se autoinmoló frente a la embajada de Israel en los Estados Unidos como gesto de extrema protesta, el pasado 24 de febrero de este año y con el que dijo: “Ya no seré cómplice de un genocidio”

Ahora bien, estos conceptos, como el de ética se difuminan; así lo han hecho a lo largo de la historia, en medio del perpetuo miedo producido por el fin de los tiempos, predicado desde aparición del hombre en pulpitos, atrios o sinagogas, como esa maldición eterna del pecado original que recae sobre la humanidad y un planeta vigilado pacientemente por su luna y el Caballero Negro. Esa es la deuda espiritual, que se nos cobra como la deuda externa.

Pastores, sacerdotes o líderes espirituales presentan una conveniente idea de que la espiritualidad equivale a esa idea del Dios castigador o férreo guerrero que va abatiendo enemigos por doquier para su pueblo elegido o su genuflexa feligresía a la que es necesaria adiestrar y segregar de los malvados impíos que osan poblar este mundo. 

La misma idea con la que los dueños del poder nos hacen alucinar y drogados por sus deslumbrantes narrativas visuales o sus sensibileros y repetitivos discursos, como los que posan de progresistas, pero resultan ser ambidiestros ideológicos al estilo Fuerza Ciudadana; esas diatribas o predicamentos se convierten en desabridas, pero efectistas declaraciones cargadas de consignas reelaboradas una y otra vez por los expertos copistas de la propaganda.



Condenados por unos y otros, lentamente nos obligan a subir escalón tras escalón de nuestra desvencijada escalera hacia el suicidio que nos ata insondablemente y que cristaliza nuestra conciencia hasta la muerte, porque los que se disfrazan de izquierda son tan fascista como los neonazis de la derecha. 

Y para asegurarnos ese camino, el norte imperial, junto al tenebroso Klaus Schwab del Foro Económico Mundial, su asesor Yuval Harari y los líderes globalistas europeos, que tienen el poder, alimentan frenéticamente el terror vendiendo la certeza que se nos aproxima la caída libre de los sagrados, únicos y supremacistas valores de la civilización occidental. 

De tal manera, que los blancos occidentales encarnan lo que se puede considerar como ciudadanía: solo ellos deben ser sujetos derechos; los demás no existen, son farsantes o son simples accidentes de la historia y hay que hacerles la guerra para que prevalezca la potestad de su poder emanado por la divinidad de lo absolutamente absoluto, tal como lo han hecho desde Las Cruzadas. 

Luego, entonces, asumir la soberanía y la autodeterminación de los pueblos es pura y llana conspiración como lo ha hecho Cuba o esa perversa complicidad que desafía el orden internacional en manos solo de Europa y los Estados Unidos, como lo hicieron los africanos al iniciar sus procesos de descolonización moderna: Burkina Faso, Chad, Guinea, Mali o Nigeria, quienes sacaron corriendo a los franceses de su continente o esos “extraños” hutíes de alpargata, quienes hacen uso del Derecho Internacional en defensa de los palestinos, hechos que son vistos como sospechosos y exóticos por parte del Estado profundo y la prensa de occidente. 

Bajo el anterior argumento, también los Norteamericanos y la OTAN bombardea Yemen, Irak, Siria y acabó con Libia, asesinando a Muamar Muhamad Abu-Minyar Gaddafi en el 2011, supuestamente por orden de los organismos de inteligencia durante el gobierno de Barak Obama. Pero nada de esto sería absolutamente posible sin la interminable manipulación del fin de los tiempos y ese mantra que repiten una y otra vez muchos: “hasta donde iremos a llegar”, y el sensacionalismo inoculado de qué todo está por terminar en manos del exotismo de quienes muy a pesar de sus esfuerzos aún sobrevive por fuera las murallas nucleares de occidente. 

Por otro lado, y a contracorriente del intimidante del Comando Sur en manos de Laura Richardson y con la presencia de la Cuarta Flota de la armada Norteamericana, que sigilosa o abiertamente recorre las costas de nuestro continente, quien no oculta que monitorean nuestros recursos naturales, se acaba de conocer que 23 países Latinoamericanos y del Caribe firmaron una carta dirigida al Secretario General de Naciones Unidas, en la que se pide el trámite en la plenaria de la Organización de las Naciones Unidas y la respectiva votación para el reconocimiento del Estado Palestino como miembro pleno de la ONU. 

Mientras esto sucede las figuras responsables de la escalada belicista y no elegidas mediante el voto popular por los ciudadanos europeos, como la señora Ursula von der Leyen, presidenta de la Unión Europea, se ríe ante las cámaras cuando un periodista le pregunta si sus hijos hacen parte de las filas del ejército alemán. Así nos recuerdan, con glamourosas sonrisas, que ellos tienen el poder y nosotros el miedo. 

Por eso, cuéstenos lo que nos cueste, aceitaran con miles de millones de dólares y euros la industria de la muerte para su guerra de poder, con el fin de enfrentar los maléficos demonios de la multipolaridad, que intentan sacar de los mismísimos habernos los BRICS; mientras nos llueven amenazas de todo tipo, censuras y persecuciones como la que mantienen condenado a Julian Assange y con él a todos nosotros, luego de la traición del corrupto expresidente ecuatoriano Lenin Moreno Garcés.

Así nos avisan lo que nos puede llegar a pasar si nos aventuramos a expresarnos y atrevernos a pensar; pero seguramente eso no es suficiente, porque en 167 días arrojaron en Gaza el doble de explosivos que la única explosión nuclear hecha por gobierno alguno sobre civiles, tal lo hizo Estados Unidos en nombre de la libertad y la democracia sobre Hiroshima y Nagasaki en 1945, a pesar de que ya se conocía la rendición de los samuráis japoneses. 

La diferencia es que hoy, a pesar de la amplia manipulación de la prensa internacional, se trasmite, casi que simultáneamente por valientes periodistas a través de las redes sociales, como caen toneladas de bombas sobre niños, mujeres y ancianos; como el ejército de Israel apuntan sus armas contra los trabajadores de la salud, periodistas, académicos y artistas; como destruyen escuelas, universidades, hospitales y mezquitas; todo esto por el hecho de ser un pueblo semita, como son los palestinos, y en el nombre del Dios sionista y el derecho a la defensa. 

Así justifican la barbarie del apartheid, la limpieza étnica y el genocidio de los que se suponen deberían defender los valores de la civilización; no obstante, los medios liberales se empeñan a fondo para asegurarse que sus audiencias estén plenamente convencidas y alienadas con el discurso de Biden, porque según ellos inocente y sorpresivamente él se vio enredado en el genocidio de Gaza y se siente profundamente acongojado por la hambruna.

Pero nadie cuestionó el hecho que mientras se refiere al tema, el presidente norteamericano se come un delicioso helado. Lo más relevante de todo es que el insulto les funciona, porque somos una sociedad voyerista y sedienta de actos sadomasoquistas.

Así atemorizados y dóciles esperan darle lugar al Great Reset (Gran Reinicio), la NetZero y dentro de su estrategia de despoblamiento mundial nos sofocan con el cambio climático para acabar con la producción agrícola, la soberanía alimentaria y obligarnos a comer sus alimentos creados en los laboratorios del “Gran Hermano” Bill, para envenenarnos uno tras otro, mientras preparan la próxima pandemia. Tal vez, nos están diciendo a los seres humanos, que por el hecho de producir dos libras diarias de CO₂, no tenemos derecho a respirar. 

Pero usted no se preocupe, en Colombia nos estamos viendo morir felices devorando la cultura paisa en cuanto envilecido melodrama se les ocurra a los canales privados; un variado y descolorido menú de realities shows para solazar mirones; el mafioso fútbol para sedentarios y sus encurtidas de mentiras enlatadas como noticias. 

Entre tanto, para los medios tradicionales y a las rutilantes estrellas del rabioso periodismo de Bogotá [“Con todo respecto”], no existe otra tarea diaria que defender el enriquecimiento de sus amos, el negocio de la guerra y mantener la impunidad, como uno de sus más valiosos privilegios y parte fúndante del Narco Estado paramilitar que intenta mantener desde la capital de Antioquía Álvaro Uribe Vélez, el Centro Democrático, acompañados por la peligrosa derecha de Cambio Radical y el Partido de la U. 

Por si no está conforme, para eso la ultraderecha, golpeada por la interdicción de la producción de los estupefacientes de sus emprendimientos, tienen a “Los Rastrojos” con el que presuntamente el presidente del Senado Iván Mane Vásquez y su Clan familiar, presuntamente compró parte de los votos para asegurar su curul. Si la cosa falla nos tocará a la puerta “El Clan del Golfo”, mientras se congregan en la ciudad gobernada por el Clan Char, los pulquérrimos empresarios para reunir 100 mil millones de pesos destinados a comprar las próximas elecciones y tumbar el proyecto progresista. 

A pesar de ello, del miedo, muchos nos movilizamos, nos resistimos y somos deliberantes sin dejarnos asustar y a “embrutecer por los medios de comunicación”, como lo indicó el presidente Gustavo Petro; así exorcizamos los fantasmas y nos atrevemos a producir imágenes como ritual contra quienes pretenden llevarnos a la muerte, pero “Si debo morir, tú debes vivir para contar mi historia...”, verso del poeta y educador palestino asesinado Refaat Al-Areer.
Fotografía: ©ArtistasZona, Marzo de 2024.

lunes, 18 de marzo de 2024

CERTÁMENES ARTÍSTICOS “CIUDAD DE TOMELLOSO” 2024


El 14 de junio vence el plazo para participar en el prestigioso Concurso de Pintura, Dibujo y Fotografía Ciudad de Tomelloso 2024, que cuenta con el auspicio de su Ayuntamiento.

El certamen está abierto todos los artistas de cualquier nacionalidad o lugar de residencia y en el que podrán presentar un máximo de DOS obras por modalidad, ya sea Pintura, Dibujo y Fotografía, con temática y técnico libre; sin embargo, no se admiten copias ni reproducciones de otras obras, así las que ya han sido premiadas en otros concursos. 

La inscripción debe realizarse mediante un formato (Descargar Aquí) y se debe enviar mediante sobrecerrado con el título, modalidad a la que se presenta; así como copia del documento de identidad o DNI, datos personales y curriculum vitae; también, se requiere un CD/Pendrive con fotografía de la/s obra/s en formato TIFF o JPEG en alta resolución y preparadas para reproducir, si es su caso e incluir en catálogo. 

Las dimensiones de las obras de pintura son de mínimo de 100x70 cm. y máximas de 200 cm. en cualquiera de sus lados, mientras que para la modalidad de dibujo es libre y se deben presentar con un junquillo o listón a su alrededor. 

En lo que respecta a las fotografías deberán presentarse sin enmarcar y montadas sobre passepartout de 2 mm. de grosor. No se admitirán aquellas fotografías montadas sobre otro tipo de soporte y cuyo formato debe ser 40x50 cm. 

De igual manera, las copias fotográficas podrán ser presentadas en impresión química o fine-art, siendo imprescindibles unas garantías mínimas de calidad y perdurabilidad. En el caso de impresiones digitales será recomendable el uso de tintas pigmentadas y papeles fine-art. 

Cada participante debe valorar económicamente su obra y lo hará constar en la Inscripción y las obras adquiridas formarán parte de la Colección de Arte del Ayuntamiento de Tomelloso. Las propuestas plásticas y visuales seleccionadas y premiadas de cada de las modalidades harán parte del Catálogo y de una Exposición cuya inauguración oficial tendrá lugar el día 30 de agosto de 2024, fecha en la que se entregarán los premios. 

Premios

Fondo Adquisición “Antonio López García” de pintura y dibujo: 9.000 € y Diploma.
Fondo Adquisición “Francisco Carretero” de Dibujo: 3.500 € y Diploma 
Fondo de Adquisición de para fotografías (Color y en Blanco y Negro) 2.000 €. 

Bases del Concurso (Descargar aquí) 

Mayores informes: Departamento de Servicios Culturales, C/ Independencia, 32 2a planta-13700 Tomelloso.- Tel.: 926528801 – Extensión 1370, de 9:00 a 14:00 h. Correo electrónico: cultura@aytotomelloso.es. Web: tomelloso.es

martes, 12 de marzo de 2024

GANADORAS DEL V QUINTO PREMIO ANUAL DEL LEICA WOMEN FOTO PROJECT AWARD

El Quinto Premio Anual Leica Women Foto Project Award seleccionó cuatro propuestas de artistas visuales del Reino Unido, Canadá, México y EE. UU.




Por. Víctor Hugo 

El pasado 8 de marzo se conocieron las cuatro ganadoras del Quinto Premio Anual del Leica Women Foto Project, que tenía como eje temático: “La perspectiva es poder”, desde donde se exploran los conceptos de resiliencia y acto de re nacer bajo la mirada de la mujer. 

El Proyecto Leica Women Foto desde el 2019 tiene como propósito replantear cómo expresamos y consumimos narrativas visuales, con el fin de potenciar la perspectiva femenina y su impacto en la forma en que presenciamos, interpretamos e interactuamos con el mundo. En este sentido, a través del Women Photograph, Photoville, Las Fotos Project y el ConnectHer Film Festival, Leica Society International patrocina y subvenciona a los artistas visuales.


El Certamen 

Este año Adenike Sogbesan (más conocida como Dola Posh, Reino Unido), Stasia Schmidt (Canadá), Luvia Lazo (México) y Camille Farrah Lenain (Estados Unidos) resultaron seleccionados por el jurado, en el que participaron desde prestigiosas fotoperiodistas y artistas visuales de renombre internacional; así mismo, en esta oportunidad, cada una de las artistas ganadoras recibió una cámara Leica SL2-S, una Vario-Elmarit-SL 24-70 mm f/2.8 ASPH. Lentes y un premio en efectivo de $10,000 dólares. 

Dentro de la programación adicional del premio, este año incluye un festival de tres días que se llevará a cabo del 12 al 14 de abril de 2024 en Artspace PS109 en 215 E99th Street de New York, en colaboración con Women Street Photographers. 

“Para el Leica Women Foto Project de este año, animamos a las artistas a compartir historias visuales de recuperación, resiliencia o renacimiento", manifestó Karin Kaufmann, directora de arte de las galerías Leica. “A través de estos lentes, el Proyecto Leica Women Foto continúa empoderando y amplificando las voces que capturan esta diversidad de narrativas, agregando profundidad a nuestro tapiz visual colectivo y al mismo tiempo reflejando nuestro compromiso de celebrar su poder visual”, concluyó. 

Las Ganadoras 

Adenike Sogbesan es una fotógrafa nacida en Nigeria, pero radicada en el Reino Unido, más conocida como Dola Posh; ella profundiza en las complejidades de la autoidentidad y la depresión posparto, combinando perfección y vulnerabilidad a través de su lente. 

La fotógrafa realiza talleres en el sistema sanitario del Reino Unido (NHS) sobre salud mental y depresión posparto; así mismo, es profesora en la Ravensbourne University London y trabaja los temas de mujeres, fotografía y tecnología. 

Con un enfoque, Dola Posh continúa iluminando las narrativas de mujeres y madres negras, difundiendo en sus trabajos historias de maternidad que inspiran el cambio social. Su serie "OMO MI" (que significa “mi hijo”) explora ese profundo recorrido interior que le subyace a toda mujer al convertirse por primera vez en madre; ella captura una sensible imagen con la que nos define su experiencia frente a la maternidad. De esta forma, deja entrever esos rasgos de resiliencia y resistencia apelando a la memoria y su identidad. 



Por su parte, Stasia Schmidt, de Calgary, Alberta, Canadá, reconocida artista visual de la simplicidad y la forma, pero también del detalle, ese que nos expone al inesperado surrealismo que nos revela el sorprendente universo y que está ahí en nuestro entorno, no desde lo contemplativo sino a partir de esa actitud femenina que busca subvertir los cimientos mismos de la existencia humana y nos sumerge en la autoconciencia que vibra en la percepción. 

La artista es autodidacta, tiene como fuentes de sus procesos creativos la música, la danza, la ciencia ficción y ese espíritu de lo explorativo. De tal forma, que su proyecto “Ephemerality”(Efímero), es una declaración de su capacidad para confrontar esos estrechos sociales que muchas veces afloran como gritos altisonantes cuando lo femenino se atreve a emprender su propio viaje a tener mundo propio y deja de lado o pasa por encima de las consideraciones patriarcales que impone la sociedad machista.


Luvia Lazo, una fotógrafa indígena zapoteca nacida en Teotitlán del Valle, Oaxaca, México, ella no solo nos presenta, sino que nos narra su noción de identidad; los dolorosos cambios generacionales y esa relación simbiótica entre los seres humanos y los espacios llenos de la ritualidad cotidiana y cultural.

Lazo es una artista muy reconocida y referente en su país por los alcances de su obra, quien ganó el programa Jóvenes Creadores del FONCA (Fondo Nacional para la Cultura y las Artes) en México y obtuvo el prestigioso premio de Fotografía Indígena 2021; cuenta con exposiciones colectivas e individuales en Ciudad de México, Nueva York y Barcelona; el The New Yorker, Vogue EE. UU. y Vogue México han publicado sus trabajos visuales.

Su reveladora propuesta “Mujeres desde las nubes”, nos permite incursionar en el mosaico de las narrativas de las mujeres indígenas contemporáneas de diferentes edades; pero su proyecto, no solo se queda en lo declarativo, sino que es etnográfico y nos da una perspectiva más amplia y enriquecida sobre la feminidad en su conjunto.




Camille Ferrah Lenain, fotógrafa documental y retratista franco-argelina, poseedora de una destacada obra, quien fue instructora de fotografía en la Universidad de Tulane en Nueva Orleans, desafía los preconceptos sociales, explorando estereotipos, memoria colectiva e identidades plurales. 

Ferrah Lenain, también fue preseleccionada para el Premio Aperture Portafolio en 2023 y ha sido fotógrafa del The New York Times, Rolling Stone y ELLE Magazine; la artista cuenta con exposiciones en el Ogden Museum of Southern Art y el Arab World Institute. 

Su proyecto “Made of Smokeless Fire” (Hecho de fuego sin humo), arroja luz sobre la representación LGBTQIA+, al interior de la cultura musulmana en Francia, y captura la belleza y los desafíos que enfrentan, contribuyendo a una comprensión más matizada de sus experiencias como comunidad underground.




Fotografías: ©Quinto Premio Anual Leica Women Foto Project Award, 2024. 

1. 'Mother's Day Year 3' A self-portrait of Dola (age 31) and her daughter Monioluwa Sogbesan (age 3) photographed in our home in Hertfordshire, UK. A mother's embrace of her child on Mother's Day. March 19, 2023. 

2. Washing her feet' A self-portrait of Dola and her daughter Monioluwa (one year and six months) at home during bath time. This moment is her quiet time as a new mother and where the inspiration source for all the photo stories came from. February 10, 2022. 

3. 'Sleep' Dola is watching over her child Monioluwa (10 months old) at home holding a lantern. She wonders, When will I ever experience such a sleep again, free like a child? June 14, 2021. 

 4. ‘Adorn blue’ The first time Monioluwa fell ill, she would grow cold, her heart would skip a beat, and Dola’s anxiety increased. She continued to breastfeed and nurture Moni while forgetting to take care of herself and her mental health. Her soul became lost. This portrait was taken three weeks after Monioluwa recovered. May 20, 2021. 

5. Remnant. Stasia Schmidt. 

6. Floe. Stasia Schmidt. 

7. Dune Drift. Stasia Schmidt. 

8. Luvia by Fernando Velazquez. 

9. Mother and sisters. Luvia Lazo. 

10. Jewerly from Agua Fria. Luvia Lazo. 

11. Sin título. Camille Farrah Lenain. 

12. Sin título. Camille Farrah Lenain. 

13. Sin título. Camille Farrah Lenain.